7 July, 2020
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Georgia O’Keeffe

La seule femme peintre de la première vague de « l’abstractionnisme » américain

Georgia O’Keeffe (1887-1986) a été pendant sept décennies une figure majeure de l’art américain. Elle est restée indépendante des tendances artistiques dominantes et est restée fidèle à sa propre vision, qui était basée sur la recherche des formes abstraites essentielles de la nature. Avec un pouvoir d’observation exceptionnel et une grande finesse au pinceau, elle enregistre des nuances subtiles de couleurs, de formes et de lumières qui animent ses peintures et attirent un large public. Ses principaux sujets étaient les paysages, les fleurs et les os, explorés en séries sur plusieurs années, voire des décennies. Les images sont tirées de son expérience de vie et liées de manière générale ou spécifique aux lieux où elle a vécu.

Née en 1887 près de Sun Prairie, dans le Wisconsin, O’Keeffe a suivi une formation artistique à l’école Art Institute of Chicago (1905), à la Art Students League de New York (1907–18), à l’Université de Virginie (1912) et à l’Université Columbia Teachers College, New York (1914-1916). Elle devint professeur d’art et enseigna dans différentes écoles primaires, lycées et collèges en Virginie, au Texas et en Caroline du Sud de 1911 à 1918. Durant cette période, elle produit une remarquable série de dessins au fusain qui la guident dans une nouvelle direction. Ces œuvres audacieuses de 1915–16 orchestraient lignes, formes et tons dans des compositions abstraites. En janvier 1916, Alfred Stieglitz, célèbre photographe et propriétaire d’une galerie new-yorkaise, attira l’attention de O’Keeffe sur ces dessins. Après avoir soi-disant crié: « Enfin, une femme sur papier! », Il expose ses dessins à la galerie 291, où les œuvres de nombreux artistes et photographes européens et américains d’avant-garde sont présentées au public américain.

Avec ses encouragements et sa promesse de soutien financier, O’Keeffe abandonne l’enseignement et arrive à New York en juin 1918 pour se lancer dans une carrière d’artiste. À partir de ce moment et jusqu’à sa mort en 1946, Stieglitz promeut son travail dans 22 expositions solo et de nombreuses installations de groupe. Le couple vit ensemble presque immédiatement et se marie en 1924. Les hauts et les bas de leurs relations personnelles et professionnelles sont consignés dans les célèbres photographies de O’Keeffe prises par Stieglitz (1917-1937). En tant que nouveau membre du cercle Stieglitz, elle s’associe à certains des plus modernes modernistes des débuts de l’Amérique, des peintres tels que Arthur Dove, John Marin, Marsden Hartley et Charles Demuth, ainsi que des photographes tels que Paul Strand et Edward J. Steichen. Leurs discussions sur l’art et l’exemple de leur travail ont validé et influencé le travail d’O’Keeffe.

Au cours des années 1920, O’Keeffe peint une série d’images architecturales qui illustrent de façon spectaculaire les gratte-ciels et les vues aériennes de New York. Mais le plus souvent, elle peint des paysages et des études botaniques inspirées par des voyages annuels dans la résidence d’été de la famille Stieglitz, à Lake George. Dans ses gros plans agrandis de fleurs, commencés en 1924, O’Keeffe fait entrer le spectateur dans l’image. Agrandir les plus petits pétales pour remplir une toile entière souligne leurs formes et leurs lignes et les fait paraître abstraits, alors qu’ils sont basés sur ses observations de la nature. De telles compositions audacieuses ont contribué à asseoir la réputation d’O’Keeffe en tant que moderniste novateur.

Vers la fin de la décennie, ses relations avec le monde de l’art new-yorkais, son ennui croissant avec Lake George et sa détérioration de la relation avec Stieglitz ont des effets néfastes sur sa santé physique et émotionnelle. En réponse, elle effectue son premier voyage prolongé au Nouveau-Mexique en 1929. Cette visite a un impact durable sur sa vie et sur son travail. Au cours des vingt années qui ont suivi, de 1929 à 1949, elle s’est rendue presque chaque année au Nouveau-Mexique, y séjournant jusqu’à six mois, peignant dans une relative solitude, puis revenait chaque hiver à New York pour y exposer la nouvelle œuvre à la galerie Stieglitz. Cette tendance s’est poursuivie jusqu’à son déménagement définitif au Nouveau-Mexique en 1949.

O’Keeffe y découvre de nouveaux sujets à peindre dont les os d’animaux blanchis au soleil et les montagnes escarpées qui dominent le paysage. Deux de ses plus anciennes et des plus célèbres peintures du sud-ouest – Cow’s Skull: Red, White et Blue et Cow’s Skull with Calico Roses datent de 1931 – reproduisent les surfaces altérées, les bords déchiquetés et les ouvertures irrégulières du crâne. Au lieu de signifier la mort, O’Keeffe déclare que les os symbolisent la beauté éternelle du désert. Plus tard, elle peint des toiles fantaisistes combinant des objets squelettiques et des images de paysages dans la même composition. Les résultats ont été provocants et troublants, et les juxtapositions et les différences de taille et d’échelle ont amené certaines personnes à qualifier ces œuvres de surréalistes. Entre 1943 et 1945, elle a également exploré une autre variation du thème des os dans sa grande série d’images du Bassin, qui traitait des contrastes entre les surfaces convexes et concaves et les espaces solides et ouverts.

Bien que les os du désert du Nouveau-Mexique aient initialement suscité l’imagination d’O’Keeffe, c’est le paysage majestueux de la région, avec ses formations géologiques inhabituelles, ses couleurs vives, sa clarté de la lumière et sa végétation exotique, qui retiennent son attention pendant plus de quatre décennies. Elle peint souvent les rochers, les falaises et les montagnes de façon spectaculaire, comme elle l’avait fait avec ses sujets de fleurs. L’un de ses sites préférés est un site qu’elle a surnommé le «Black Place», qu’elle interprète à la fois de manière panoramique et dans des vues étroites mettant en valeur la jonction déchiquetée de deux collines.

O’Keeffe a finalement possédé deux maisons au nord de Santa Fe – la première, sa retraite d’été à Ghost Ranch, était nichée sous des falaises de 300 mètres et donnait sur le lointain Pedernal, tandis que la seconde qui servait de résidence d’hiver, était dans la petite ville de Abiquiú.

Depuis les années 1950 jusqu’aux années 1970, O’Keeffe voyage dans le monde entier, notamment en Extrême-Orient, en Asie du Sud-Est, en Inde, au Moyen-Orient et en Europe. Voler dans des avions lui inspire ses deux dernières séries majeures: vues aériennes de rivières (It Was Blue and Green) et de vastes peintures du ciel vu juste au-dessus des nuages ​​(Sky Above). La vie de l’artiste a été relativement improductive au cours des deux dernières décennies, son mauvais état de santé et sa cécité l’empêche de travailler. À sa mort en 1986, à l’âge de quatre-vingt-dix-huit ans, ses cendres sont dispersées dans le paysage du Nouveau-Mexique qu’elle aimait depuis plus d’un demi-siècle. Son riche héritage de quelque 900 peintures continue d’attirer des générations d’artistes et d’amateurs d’art inspirés par ces images très américaines.

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